Une employée de Facebook voyant son amie dériver dans un extrême contacte un journaliste d'investigation pour lui révéler le dessous des algorithmes...

Seize ans après le triomphe "The Social Network", Aaron Sorkin taille de nouveau un costard au géant de la Tech Zuckerberg avec cette suite spirituelle qui s'intéresse moins à l'individu psychorigide qu'aux ramifications tentaculaires dont sa propriété est responsable. Contrôle des informations et liberté absolutiste s'opposent dans cette enquête contenant toutes les marques auteuriales de Sorkin, mais manquant du punch et de la précision d'un Fincher pour élever le tout. Porté par ses comédiens investis et direct dans sa démarche, le métrage ne risque pas de faire jaser cependant, quand bien même son sujet est d'une effroyable actualité et pertinence..

En bref:  Thriller d'investigation solide sans être renversant, "The Social Reckoning" revient sur la débâcle Facebook et sa responsabilité dans la montée des extrêmes. Bavard, technique peu engegeant, le film fait l'affaire même s'il lui manque une patte visuelle et un bon rythme pour marquer.

Note: 13,2/20

Propriétaire d'une gigantesque compagnie pétrolière, Digger Rockwell s'apprête à affronter la colère du monde entier lorsque son entreprise cause un incident écologique aux funestes conséquences ...

Cinéaste mexicain qu'on ne présente plus, Iñárritu semble prendre un malin plaisir à donner du grain à moudre à ses détracteurs; ses récents métrages semblant aliéner une partie du public depuis plus de dix ans. Et son dernier en date - chapeauté en secret avec un Tom Cruise grimé jusqu'aux orteils - ne compte pas changer la donne. Le film nous prie même en introduction de ne pas divulgâcher l'expérience: on ne dira pas grand-chose ici, sinon que "Digger", satire chaotique de notre monde en dérive, est un pur OVNI greenlighté par un gros studio, certains diront, en dépit du bon sens - à l'instar du "Mickey 17" de Bong Joon-Ho. Grandiloquente, à la limite du cartoonesque et pas fine pour un sou, cette satire aux nombreuses couches méta peut s'enorgueillir toutefois de partis pris esthétiques léchés, de la photo de Lubezki faisant rayonner des visages glabres et des décors en décrépitude, et évidemment de la composition électrisante d'un Cruise en vieux mogul dépassé par les événements. Qu'on apprécie ou pas la démarche de la chose, force est de constater des audaces forçant le respect par bien des égards. Est-ce parfois vain, pompier et vaniteux comme d'autres films auteuristes du même calibre? Certes oui, mais c'est du film d'auteur avec panache.

En bref:  Farce satirique absolument grotesque et objet de cinéma théorique presque invendable sur le papier, "Digger" s'inscrit naturellement dans la filmo de l'auteur mexicain - avec ce que cela comporte de qualités comme de défauts. C'est bien simple: ici, Iñárritu fait passer du Verhoeven pour du Bergman!

Note: 13,9/20

En 2006, Chris Hansen, le présentateur de l'émission To Catch a Predator, entreprend de marquer l’histoire de la télévision.

Programme phare de la télévision américaine, "To Catch A Predator" exposait les prédateurs sexuels interrogés sur leurs comportements par Chris Hansen, véritable inquisiteur télévisuel.  Le documentariste Lance Oppenheim fait de ce programme et de son présentateur le sujet de son premier long de fiction sous la bannière A24. Se servant habilement des écrans comme autant de déclinaisons d'une réalité peu flatteuse, le cinéaste propose un portrait d'une figure ambiguë, prosélyte cathodique engagé dans une guerre sainte télévisuelle qui nécessiterait toutes les compromissions possibles. Il ne fait pas pour autant la morale sur le procédé, ce qui aurait été de rigueur dans une production de ce genre. Il laisse par l'image le soin au spectateur de s'interroger sur la pertinence, la bonne foi et la réussite de l'entreprise. On aimerait voir plus de biopics armés d'une telle sobriété dans le traitement de leurs sujets.

En bref:  Parfois glaçant - autant pour la nature de son sujet sensible que pour ses figures controversées, "Primetime" est l'exemple type de sujet de cinéma aussi fascinant que casse-gueule qui aurait pu tomber dans la pudibonderie ou la vitupération performative. Fort heureusement, sa mise en scène parfois vertigineuse nous perd dans ses points de vues, nous permettant de nous laisser juges des spectacles qui se jouent. Très intéressant.

Note: 13,4/20

Arnold et Maria, petit couple de souris sans histoire, tente de survivre

Auréolé du succès de son premier long "Barbarian",  le réal issu du milieu comique Zach Cregger s'est vu offrir une offre difficilement passable, à savoir réinjecter du sang neuf dans la franchise "Resident Evil". Et la confirmation de son second long, le récemment oscarisé "Weapons"-  grosse surprise du box-office de l'an passé - nous assurait peu ou prou que le cinéaste soit en capacité de redorer le blason d'une saga entachée par vingt ans d'épisodes filmiques peu reluisants. Force est de constater que le bougre, capable de livrer un ouvrage correct, est également doué lorsqu’il s'agit de créer des situations tendues et extrêmement craspec.  Sa montée crescendo de l'apocalypse zombie s'accorde hélas difficilement avec l'évolution d'un protagoniste lambda suscitant bien l'adhésion, mais dont l'agentivité au sein du récit le condamne ironiquement à ne jamais dépasser son statut d'avatar contraint d'avancer machinalement de niveau en niveau. Cependant, au vu du passif de la saga, on serait en droit de lui passer ces quelques points noirs, l'ensemble étant d'une tenue suffisamment correcte qu'on s'imagine en voir une amélioration dans une copie suivante.

En bref:  Résolument dégueulasse, parfois rigolo et un brin nihiliste, cette refonte de "Resident Evil" marque des points le haussement clairement au-dessus des précédentes itérations filmiques. Même si plombé par un avatar neuneu et des péripéties parfois téléguidées, le film de Cregger sait monter la tension lors de petits moments de bravoures horrifiques pas piqués des hannetons. On attend la suite (?)

Note: 13,4/20

Arnold et Maria, petit couple de souris sans histoire, tente de survivre aux affres d'un monde qui part à la dérive, contrôlé par une corporation toute puissante et peuplée d'individus tout aussi aliénés qu'eux...

 Dessinateur de BD et réalisateur de courts-métrages auréolés de récompenses locales, l’espagnol Alberto Vasquez mûrit depuis de nombreuses années des univers angoissants peuplés d'un bestiaire aux couleurs chatoyantes. Ses deux précédents longs - Psiconautas et Unicorn Wars - étaient irrigués par des réflexions métaphysiques sur la détresse identitaire et à la santé mentale. Avec son dernier long, Vasquez y ajoute l'aliénation sociale, dépeignant une sorte d'équivalent cartoonesque de "Truman Show". Mais ici, les protagonistes, éreintés par les pressions de la société de consommation, voient leur échappatoire se faire constamment dans la douleur. Triste caricature de notre monde dont les couleurs criardes semblent être un palliatif à la détresse existentielle qui le nourrit, "Decorado" n'épargne personne, et son intention est aux antipodes de la morale rassurante d'un Disney. Vous voila bien avertis.

En bref:  Cartoon sous anxiolytiques à ne pas mettre entre toutes les mains: "Decorado" d'Alberto Vasquez est une expérience cinématographique singulière se démarquant du lot de l'animation mainstream. Une charge hautement métaphorique d'une tristesse infinie contre un monde qui broie les individus et intime à replacer les valeurs humaines au cœur de nos vies, sans toutefois se faire de grandes illusions. 

Note: 14,2/20

Dans le futur apocalyptique de 2035, Hig, un mécanicien et pilote aguérri tente de survivre au Colorado, convaincu qu'une meilleure situation  l'attend au-delà de son refuge...

 L’infatigable octogénaire Scott continue de produire du blockbuster au kilomètre, probablement conscient que ses meilleures années de cinéaste sont derrière lui mais trop attaché à sa caméra pour prendre sa retraite. Son dernier en date est, surprise: probablement son film le moins misanthropique au sein d'une filmo pourtant riche. Par bien des aspects, "The Dog Stars" pourrait même paraître cul-cul la praline, avec sa vision d'un monde à la dérive divisé entre des survivants bien trop propres et des factions revenus à l'état tribal de manière caricaturale. Pillant tout ce que l'imaginaire post-apo à pu produire au moins sur ces vingt dernières années, le film n'offre rien de neuf, tant visuellement que narrativement, et risque donc de produire autant d'émotion qu'un visionnage d'un bis italien du genre. Scott fait le travail proprement, mais comme d'habitude, aux dépends d'une émotion palpable à l'écran, diminuant donc nle peu d'investissement émotionnel que le récit pouvait susciter. Gageons cependant qu'avec cet opus plus "solaire" (et bardé de moments involontairement drôles)  que ses précédents, il décide de nous pondre une comédie à l'avenir.

En bref:  Ridley Scott ne se réinvente pas et ne donne pas plus au genre post-apo avec ce "Dog Stars" certes regardable et bien fichu, mais manquant de folie et d'émotion pour captiver. Un blockbuster cliniquement sage et finalement confortable, ce qui est le comble quand on essaie de faire une dystopie.

Note: 13/20

Fraîchement installée en Norvège, la famille Gheorghiu s'acclimate à la température basse et à la température basse et à l'accueil chaleureux de la population. Le séjour des membres, calmes et pieux, se déroule sans anicroche, jusqu'à ce que l'on soupçonne des violences sur les enfants...

 Couronné de la Palme D'or de Cannes annuelle, le dernier drame de l'estimé cinéaste Cristian Mungiu entend faire autant de bruit silencieusement dans la sphère cinéphile qu'avait fait avant lui un métrage comme "Anatomie d'une Chute" - à savoir ausculter par le prisme cinématographique un sujet brûlant d'actualité, sans grand trémolos mais avec énormément d’ambiguïté.  Car cette histoire d'une famille religieuse aux prises avec les mœurs d'un pays semblant blanc comme neige critique rageusement un progressisme échevelé imposé en Europe. Le choix du décor n'est pas innocent, tout comme l'idée que la famille au centre du récit soit croisement entre deux nations que tout semble opposer. Comme dit plus tôt, la morale comme l’ambiguïté de ce scénario très actuel donnent à réfléchir, mais la position de son auteur, dépeignant la destructuration d'une structure familiale par des valeurs antipodes - semble peu ou prou claire sur la question.

En bref:  Traditions contre modernité, foi contre laïcisme... autant de duels intenses se jouant dans un décor neutre dans "Fjord", métrage à l'indéniable patte européenne, qui remet en cause les dérives d'un progressisme très actuel. Sa mise en scène au cordeau dépeint le délitement d'une structure familiale avec une colère larvée contre le système. Intéressant.

Note: 13,3/20

Ancien flic reconverti en garde du corps, Cole Reed se retrouve dans une embuscade coutant la vie de son employeur. Il doit rétablir son innocence e montant à bord d'un porte-conteneurs pour emonter au bout de la conspiration...

 Comme chaque année, Jason Statham nous revient avec une bonne cuvée de tatanne cimentant son statut de superstar du genre. En 2026, après avoir été successivement employé des postes, ouvrier en bâtiment et apiculteur, il endosse de nouveau la panoplie d'un badass undercover dans "Mutiny", série B déléguée à un Jean-François Richet aux antipodes du cinéma français qui à fait son succès. Malgré un début engageant - tentant de donner motivation et consistance au protagoniste - l'ensemble s'embourbe dans une prévisibilité et une mollesse indigne de l’énergie usuelle de Statham, préférant un jeu du chat et de la souris sur un tanker parsemée d'exécutions sommaires brutales. Digne héritier de "Piège en Haute Mer", ce métrage ne semble pas viser plus haut intellectuellement, même s'il s'en sort avec une facture décente.

En bref:  la croisière s'enflamme assez mollement dans "Mutiny", énième variation de Jason Statham en défenseur col-bleu de la veuve et de l'orphelin. Malgré un pitch promettant un "Die Hard" sur l'eau et le charisme de son protagoniste mutique, le rythme et l'humour manquent cruellement pour pimenter le tout. Un actioner du samedi soir à réserver aux aficionados only.

Note: 12,7/20

Dans une banlieue pavillonnaire du début des 80, la famille Platt va se retrouver confrontée à un événement sans précédent: leur pâté de maison se retrouve du jour au lendemain propulsé dans une ère préhistorique...

 Cinéaste acclamé depuis le succès de son  "It Follows", David Robert Mitchell quitte un temps les rives du cinéma d'auteur indé pour le blockbuster friqué, parrainé par le saint patron du mystère cryptique et de la récupération nostalgique J.J Abrams. Le résultat, s'il était intriguant sur le papier, l'est beaucoup moins une fois face au film. Car malgré quelques séquences adroitement mises en scène et un bestiaire parfois créatif, le métrage peine à se démarquer de ses influences, devenant de fait un énième émule des prods Amblin des 80s.  Pire encore, l'inanité de ses dialogues, ses inconsistances tonales comme sa fin bazardée annihilant tout les enjeux dramatiques posés en amont achèvent de faire de l'ensemble un exercice de style vain, ou sinon probablement trop engoncé par les directives du studio, ou son auteur livre une ouvrage propre et  sage  pour s'assurer une sortie confortable. Bref; si on ne boude pas totalement devant le métrage, généreux question douleur, on ne peut pas dire que ce soit formidable ou mémorable en tous points.

En bref:  Blockbuster finalement dans les clous tentant gentiment de pousser les potards du PG-13, "La Fin d'Oak Street" est un simili-Amblin qui coche les cases attendues du fantastique en milieu pavillonnaire. Le tout sans grand impact dramatique et d'une viscéralité hélas déréalisée par un final indigent. N'y allez que si les dinos et les familles dérangées vous fascinent.

Note: 12,7/20

Dans un petit village français sans soucis, les vies de trois adolescents vont être chamboulées par l’apparition d'une entité sonore qu'ils nomment Kyma... 

Le film de genre hexagonal, c'est tout sauf une sinécure. Entre le mépris généralisé des argentiers et les réticences du public local, c'est tout un pan de notre cinéma qui peine à s'élever dans les salles, faisant des rares productions ayant trouvé grâce auprès de distributeurs des petites miracles. Et en cette ère de franchises se déclinant ad vitam eternam, la moindre proposition un tant soit peu originale se doit sinon appréciée obligatoirement, d'être au moins encouragée. Sur le papier, "Kyma" donnait la puce à l'oreille, mais il faut hélas revenir sur sa facture assez mollassonne. Car même si son budget est loin d'être faramineux, cette aventure se revendiquant des productions Amblin manque du sérieux coup de pêche qui lui aurait permis une adhésion immédiate. Sa mise en place laborieuse et son écriture parfois hasardeuse des protagonistes nous perd en route, ce qui ruine dans l’œuf les bonnes intentions d'un script qui avait pour atout principal une entité dont l'empathie devait être garantie par une foi presque aveugle en son concept. Bien essayé, mais pas top. 

En bref:  Film de genre au budget rikiki mais à l'idée sympathique, "Kyma" est un simili-Amblin qui cohce quelques cases attendues et poncifs ennuyeux du cinéma héxagonal. Cela ne risque hélas pas de trop revigorer le cinéma de genre. 

Note: 12/20